Blog à cossaw - Musique

Peter Gabriel III (Blur)

cossaw — Tue, 05 Aug 2008 13:11:00 +0200

Cet album est le départ de la nouvelle carrière de Gabriel. Si les deux précédent essayait de distancier de Genesis que Gabriel venait de quitter, le 3e album porte le germe de ce qui sera la passion musicale de Gabriel - synthétiser les musiques d'origine diverses en un ensemble hamonieux où elles ne perdent pas leur identité.

Avec ses prestigieux invités, de Kate Bush à Phil Collins en passant par Paul Weller, Gabriel s'est aussi réapproprié leurs univers pour faire briller le sien. Voilà comment est né l'un des meilleurs albums de ma collection.

Historique reconstitué selon ma mémoire

Depuis toujours, Gabriel écrit beaucoup mais a du mal de finir - parfois les chansons changent du tout au tout, tel Bring the guns devenu Down the Dolce Vita. Il ne sait pas trop bâcler. Il faut un producteur pour l'aider soit à rafiner (c'est le cas du 1er album) ou justement à bâcler (c'est le cas du second, le plus mal perçu par les fans d'alors). Pour le troisième album, il prend donc son temps - 2 ans. Evidemment, comparé aux délais qu'il nous inflige maintenant, ce n'est rien (11 ans pour Up, 17 ans pour Big Blue Ball, mais il y a là un problème de droits).

Pendant la tournée du 1er album, Gabriel essaie quelques titres, dont White Shadow ou encore A song without a name qui devint Indigo, et I don't remember. Cette chanson, il la reprend, la modifie. Il ajoute des voix, des sons - dont le timbre de Kate Bush, d'ailleurs non mentionnée pour ce titre. Il l'interprête sur scène lors du concert pour Bill, technicien décédé lors de la tournée de Kate - qui fait donc les coeurs sur ce titre. On est au début de l'ère des synthétiseurs. Gabriel, qui avait des connections familiales, a pu s'offrir un fairlight qu'il utilisera beaucoup sur le 4e album. En 1979, quand il prépare le 3e album, le matériel est encore plus rudimentaire, mais il l'utilise néanmoins.

Marote de l'artiste, il fait chanter Kate Bush en français sur Games Without Frontiers (elle prononce "Jeux sans frontières" qui est vocodé), la limite à crier "no no, no memmor, oh" dans I don't remember, ou encore la fait haleter dans l'inquiétant No self control. Sur Intruder, il empêche Phil Collins de jouer des cymbales. Et puis, il fait intervenir des marimbas, du xylophone, enregistre des cornemuses pour un titre africain. Il est innovant.

Les textes, plus proches de la folie que du comportement "normal", sont simples, percutant. Il y parle des gens, de leurs comportements. Il dénonce directement ou non, et surtout il est l'un des rares à s'inquiéter de l'Apartheid.

Pour la petite histoire, Gabriel avait envie de recréer ce disque dans les langues qu'il parle plus ou moins bien - allemand, ce qui fut fait, italien, espagnol, français, qui furent tous trois abandonnés. Les pistes pour le 3e album en allemand, Ein deutsches Album, donc, sont quasiment identique à la version anglaise car seules les paroles de Gabriel ont été traduites. Kate, par exemple, chante toujours en anglais alors que Gabriel a traduit et fait traduire ses proprs couplets.

La face A rassemble de courtes histoires, qui semblent faire un tout, autour d'un thème commun : les comportements proches de la folie. La face B, elle, est une suite de réflexions, et de dénonciations, politiques, autour de la xénophobie et du racisme.

Les chansons

Face A

Intruder : le voleur fétichiste entre chez les gens et prend son pied. Il jouit de la peur, de l'anxiété qu'il génère chez ceux qu'il a épié. Voyeur, violeur de l'intimité, il s'attaque aux gens, d'abord discret, furtif, il finit par les attaquer. Le "I am the intruder" anglais est doux, mais il fond quand même sur ses victimes. Le "Ich bin der Eindringling" est beaucoup plus fort, c'est une attaque, un acte de terreur.
No Self Control : cette chanson est trouble ; un homme schizophrène a peur des ombres, il les fuit. Il bat sa femme, mais ne veut pas la blesser. L'un des titres mêlant rythmes européens, pop-rock / new wave avec des rythmes caribéens. J'ai pu entendre la réorchestration du titre lors des concerts de l'an dernier (une version pourrie circule sur youtube, avec une voix chantant faux... mais ça, c'est normal). Ce morceua est décidemment très pêchu. S'il seulement il n'était pas si implicitement violent.
The star : transition au saxophone, étrangement incluse dans I don't remember en allemand
I don't remember : l'insistance à ne pas vouloir se rappeler, les paroles de Kate Bush appuyant encore plus cette impression ne sont rendues que plus manifestes par le titre allemand : Frag mich nicht immer, cessez de m'interroger. L'interrogé joue avec son interrogateur qu'il fuit. Est-ce une femme, son passé, ses habitudes, lui-même ? Tout cela à la fois, dirait on en regardant le clip (qui date de trois-quatre ans plus tard). Ce titre a énormément changé dans ses différentes incarnations, tant au niveau du rythme (plus soutenu) que des paroles (plus proches de la folie). D'une certaine manière, on peut aussi rapprocher ce titre d'une chanson plus fortemetn politique, Wallflower sur le 4e opus.
And through the wire : sur l'incommunicabilité - phénomène qui n'a fait que grandir. A l'époque, il s'agissait du téléphone et de la télé, qui remplaçaient au fur et à mesure les vraies rencontres. Que dire aujourd'hui ?

Face B

Games without frontiers : fondé sur l'image que Gabriel a vu du fameux jeu guyluxien Jeux Sans Frontières, It's a knockout en anglais, ce titre montre combien on peut rapprocher un jeu, somme toute banal, de lutte "pacifique" entre nations et les différentes guerres. C'est forcément aussi un réquisitoire pour la paix entre les peuples, au travers de ce qu'ils ont tous en commun : leurs enfants (un peu comme le Russians de Sting quelques années plus tard). Les références historiques ("Adolf"), les couleurs, les gros-mots d'enfants (goons, piss, etc.) et la faute de grammaire permettant la rhyme (i looks could kill, they probably will), ainsi que ce que les critiques ont appelé l'air mutin - les adultes qui sifflent, la voix enfantine de Kate Bush chantant (en prononçant mal) "Jeux Sans Frontières", sont des perles. Ce titres a été, avant Sledgehammer, le plus grand succès en single de Gabriel. En concert, Gabriel dédit ce titre à toutes les victimes des guerres.
Not one of us : l'exclusion. Malgré les similarités physiques, l'autre est rejeté parce qu'il est étranger ("stranger"). L'un des titres les plus rythmés, scindé en deux partis bien distincites. La seconde, la plus vive, servira de base au titre Birdy's flight sur la BO de Birdy. Un Comme le précédent, c'est un chant de lutte, ici contre l'exclusion et la xénophobie.
Normal Life : cette chanson, proposant à nouveau un rythme fondé sur les sonorités caribéennes, peut se lire de plusieurs façons. Dans un premier degré, il s'agit d'aider quelqu'un qui a fait une tentative de suicide - elle doit retrouver une vie normale ; dans une autre lecture, un peu similaire à celle de Wallflower, il s'agit d'un prisonnier dont on veut éviter qu'il se suicide ("they don't give you knives"). Enfin, la troisième est assez similaire, dans l'esprit à Milgram 37 : lead a normal life, suivez la vie qu'on pense normale, faites ce qu'on vous dit. Ne pensez pas par vous même. Au final, cette chanson toute simple, cette lenteur me fait surtout penser au 1er niveau de lecture, mais les deux autres restent valides - et sont eux des appels à l'aide vis à vis de situations difficiles un peu partout dans le monde.
Biko : titre de lutte contre l'apartheid, chanson que Mandela demande à Gabriel de chanter pour lui et les autres victimes du régime sud africain. Racontant la mort du héros Steven Biko, mort en septembre 77, Gabriel annonce le combat qui, dix ans plus tard, mènera à l'abolition du régime raciste sud africain. Du côté de la musique, c'est aussi la base du travail à venir de Gabriel, qui s'épanouira surtout avec la création de Realworld : utiliseret populariser les musiques venues du monde entier, en les mêlant à son travail, en les respectant en en promouvant leurs auteurs. Ici, le sampling de chansons, légèrement différents entre version anglaise et allemande (qui vint un peu plus tard) est juste le début du travail. Notez aussi l'utilisation des cornemuses... qui se mélange très bien avec les percussions !

This Fire - Paula Cole

cossaw — Tue, 05 Aug 2008 11:01:00 +0200

Where have all the cowboys gone ? se demandait en 1996 Paula Cole. Ce tube, inattendu, la propulsa au rang des aspirantes "chanteuses à texte country-like qui vendent beaucoup" (Sheryl Crow, Shania Twaine). Pas tout à fait le genre de la dame.

En fait, cet album, qui valut son succès autant à Cowboys qu'à la chanson titre de Dawson Creek, I don't want wait, allait bien au delà du succès populaire tant les titres, variés, dépeignaient une amérique loin de clichés classiques.

Idée générale

Tout indique que This Fire part de là où Harbinger s'est arrêté. Du constat de désespoir adolescent débordant sur un espoir de jeune adulte, voilà qu'arrivait la phase énervée de la personnalité - la rébellion, le rejet de ce monde inadapté pour en façonner un meilleur. Le rythme est bien plus enlevé et l'auteure/compositrice prend parfois un malin plaisir à inverser ou retourner ce qu'elle avait abordé dans son précédent opus. 'Tiger est le bon exemple, puisqu'il se met en opposition avec Bethlehem (i've left bethlehem ; i feel free ; i've left the girl i was supposed to be and Someday I'll be born).

This fire continue ainsi l'introspection du 1er album, dans un ton plus vif, mordant, marquant ainsi la fin de cet atmosphère bleak que j'évoquais hier.

This Fire, c'est aussi une ôde à l'amour, amour réel (feelin' love), à venir (I don't want to wait), filial/partenel (Hush, Hush, Hush), lesbien (Carmen), mais aussi conflictuel (Throwing Stones, Nietzsche's eyes, Road to Dead__). Mais si le conflit à son niveau spirituel, religieux, reste comme dans Harbinger, il est aussi porté dans le domaine physique - parce qu'il a su s'exprimer, la femme a su montrer qu'elle était aussi maîtresse de sa destinée. Alors c'est douloureux, à tel point que parfois

Les chansons

"Tiger" : la chanson de la rébellion, la colère, autrement dit le tigre ou le feu des titres de la chanson et de l'album. C'est aussi la chanson de la renaissance, et je ne fais que paraphraser. De jeune fille volontairement timide et qui ne se cachait plus, Paula veut passer, à 26 ans, à l'étape d'après, la femme qui s'assume comme telle.
"Where Have All the Cowboys Gone?" : chanson phare de l'album, résolument tournée vers le monde folk tout en lorgnant vers le pop-rock, ; l s'agit à nouveau des rêves brisés d'une femme qui se voyait déjà au bras d'un beau cowboy, en se limitant à la vie paisible d'une femme au foyer. Elle déchante, et confrontée à sa désillusion, elle se berse dans des souvenirs de jeunesse, de ces cowboys à la John Wayne... cette chanson a été taxée d'anti féministe alors qu'elle est justement le contraire : elle invite les femmes à aller au delà du "rêve" familial, qui ne peut être qu'une prison, fût elle dorée.
"Throwing Stones" : la rébellion face à l'amant omniprésent, imposant sa vérité à sa maîtresse, ne lui laissant plus de liberté. Il a bien changé, l'amant fougueux, aimant, devenu mari. Se retrouvant à la place de sa mère, voilà qu'elle se rebelle (contrairement à celle-ci dans la chanson Happy Home de Harbinger). Elle combat, avec les mêmes armes que celles du mari qui l'a traité de pute. La lapidation, c'est bien sûr une référence à la religion, que l'auteure réfute en bloc parce qu'elle n'est utilisée que pour contrôler la femme alors que le mari peut jouer les paons.
"Carmen" : chanson douce, sensuelle, tendre. Amour, amitié envers une autre femme ? Quoi qu'il en soit, c'est une déclaration d'amour à celle avec laquelle on veut être dans l'instant, il n'y a pas de futur, il n'y a que le now, here.
"Mississippi" : multi facette, cette chanson mouette et langoureuse comme le Mississippi demande à l'autre s'il est prêt à accepter toutes les facettes de soi. Mais ça ne va pas, elle se sent lâchée, elle se noie. Et quand ce ne va plus, les eaux viendront calmer la douleur (ça me fait, forcément penser, à Washing of the Waters de Peter Gabriel sur Us dont Paula assura les coeurs sur scène).
"Nietzsche's Eyes" : la déception face à l'homme qui n'est pas celui qu'il disait, ni celui qu'il devrait, et qui avait tenté d'annéantir celle qui l'aimait. Mais elle s'en est rendue compte, pas comme ses aînées, et elle a dû couper le lien. Mais c'est difficile, car ce n'est qu'à la fin qu'on se rend compte qu' "il" n'est pas l'übermensch qu'il pensait être.
"Road to Dead" : à nouveau ce mélange entre religion et amour/désamour - de façon plus explicite, cette fois. Mais ce n'est plus uniquement la figure du Christ mais celle de la femme qui est centre de la religion. Une opposition entre le patriarcat d'un côté et la liberté d'exister, de penser, de prier que revendique la femme. La religion titille toujours autant Paula (cf. Amen, le troisième disque) mais ici elle est clairement prête à se battre jusqu'au bout, jusqu'à la mort, pour revendiquer ses libertés.
"Me" : c'est l'opposition entre la femme publique et ce qu'elle est réellement. Et ces deux femmes s'affrontent, l'une étant l'ennemie de l'autre. Et pourtant de cet antagonisme naît une logique, un dynamisme. Celui de la personne unique, mélange de ses oppositions intérieures.
"Feelin' Love" : chanson d'amour moite, un peu comme Mississippi quand à la langueur, mais plus sensuel, la chanson d'amur heureux, comme l'était Oh John sur Harbinger.
"Hush, Hush, Hush" : un jeune homme, gay, meurt dans les bras de son père. Sa première relation lui aura été fatale. Ce père, joué par Peter Gabriel, le console, alors qu'il n'est plus qu'un cadavre vivant. Douce chanson, triste mais bienveillante. La fin, en musique, laisse penser que le jeune homme s'est éteint, rassuré d'avoir dit à son père la vérité, réconforté par les prières du père sur un avenir qu'il n'aura plus. Annie Lennox (qui a monté avec Gabriel une association de lutte contre le Sida au nom de la princesse Diana, chose peu connue, cf. son single Sing) a repris cette chanson sur un disque de Herbie Hancock.
"I Don't Want to Wait" : chanson faussement joyeuse, elle raconte comment son grand père est revenu mutilé de la guerre, revenant malgré tout vers femmes et enfants. Et Cole de dire à son grand-père qu'elle, elle n'attendra pas, qu'elle ne sera pas comme ces femmes qui on subit. Pour elle, il faut prier, prier qu'elle ait une vie meilleure - entre amour et paix, plutôt qu'entre absence et guerre.

Next Stop : Amen

Harbinger - Paula Cole

cossaw — Mon, 04 Aug 2008 13:37:00 +0200

Comme beaucoup d'autres, j'ai découvert Paula Cole deux fois. La première fois, c'était en tant que choriste du talentueux Mr Gabriel. La seconde fois, c'était quand, aux Etats-Unis, je découvrais un hit majeur, This Fire, qui lui a valu quelques récompenses, mais pas les Grammy awards qu'elle perdit d'ailleurs au profit de chanteuses du même registre (Shawn Calvin, Jewel).

Mais This Fire n'était pas le premier disque de Paula - elle avait en fait déjà produit un autre opus, plus sobre et sombre, non moins réussi : Harbinger. Je l'ai découvert (et acheté) quand j'effectué mon stage de thèse à Cambridge, Ma. C'est un de ces disques qu'on garde précieusement.

Idée générale

Paru chez Imago, réédité par Warner Bros après la banqueroute du petit label, Harbinger est un premier album des mieux réussis. Outre la simplicité d'une chanteuse à texte folk/rock américaine, il aborde des termes plutôt sociaux ou personnels. Les mélodies sont prenantes, les paroles ciselées. Jouant de la guitare et chantant, elle est accompagnée d'une petite bande et soutenue par un monsieur connu, Tony Levin, celui là même qui l'a présentée à Peter Gabriel pour remplacer Joy Askew lors de la fin de tournée Us.

Album marquant l'attachement de l'auteur à sa jeunesse plutôt désabusée (bleak est le terme utilisé par la presse américaine), Paula y rappelle trois sujets fondamentaux : les droits et libertés civiles ; l'amour dans tout ce qu'il a de bon comme de mauvais ; l'histoire familiale vue au féminin. Qu'il s'agisse de la sienne (ce qui est certainement le cas pour Bethlehem et Black Boots) ou celle d'autres femmes, la vie est plutôt maussade voire carrément dépressive. La vision de la société américaine peinte dans cet opus, au travers de Hilter's Brothers par exemple, reste elle aussi noire et anxiogène. Il n'y a guère qu'au travers d'histoire d'amours, plus ou moins heureuses, qu'on voit apparaître une lueur d'espoir - Oh John. L'album, ouvert sur une prière se termine cependant sur un rêve, un espoir secret : The Ladder.

Les titres

"Happy Home" : les femmes au foyer qui ont "sacrifié leurs rêves à la maternité". Ce titre, féministe, pleint ces femmes qui ont été obligées de vivre au travers de leurs maris, obligées de les suivres et d'obéir. Et cela, vu d'une petite fille qui se dit que si elle n'a pas pu aider sa mère, que fera-t-elle ?
"I Am So Ordinary" : que faire quand on se rend compte que son amant a une double vie ? Qu'il vous cache quand ses parents viennent en ville et leur présente l'autre ? Si cette chanson peut avoir deux sens (la fille qui est dans l'ombre, la femme maîtresse dans la lumière ne seraient qu'une seule et même femme), c'est un titre sur le mal être, sur le manque de confiance en soi, et sur la dépendance, malgré ce qu'il fait, à un amant. Interdépendance, ceci dit : c'est la bonne copine qu'on appelle quand la maîtresse n'est pas là. La bonne copine qui, en secret, vous aime...
"Saturn Girl" : variante sur le thème précédent, voilà la fille venue d'ailleurs, qui se sent tellement mal à sa place. Elle n'est pas encore prête à affronter ses détracteurs... mais un album plus tard, elle le sera !
"Watch the Woman's Hands" : variation sur le thème de Happy Home, cette chanson parle à nouveau de la mère, mais cette fois c'est la mère protectrice, la mère dont on dépend, mais la mère dont ontire toute l'énergie, cette mère qu'on capte et qu'au final, on restreint dans son humanité à son rôle de mère nourricière.
"Bethlehem" : quitter l'endroit où l'on est née, où l'on se sent petite, inadaptée, inadéquate. Dépression adolescente, la musique ondule, endors, essaie de faire partir les douleurs, de calmer la détresse. Et appelle, sans peut être le savoir, un autre titre, le pendant de celui-ci, il annonce (tel le titre Harbinger de l'album), le feu rédempteur de This Fire et de la chanson Tiger.
"Chiaroscuro" : une chanson résolument opposée à la ségrégation raciale, au travers du terme clair obscur, cette chanson parle de l'amour entre un homme noir et une femme blanche - tabou encore dans beaucoup d'endroits, mais plus particulièrement dans le sud américain. Liant l'amour et l'art, les peintres et les amants, les éternels opposés (lune et soleil), cette chanson montre comment l'amour permet de mettre en relief une histoire qui ne devrait être que banale mais qui dérange encore. Paula Cole atteint souvent ses limites basses dans cette chanson, ce qui augmente s'il le fallait l'ambiance sonore du morceau.
"Black Boots" : plus noir encore que Bethlehem, ce titre sombre est celui de l'ado au bord du suicide, de la fille invisible, qui au travers de ses boots noires se sent exister - tout en étant aspirée par cela.
"Oh John" : chanson d'amour, chanson sur le souvenir d'un amour partagé et mutin. Sympathique.
"Our Revenge" : l'histoire est écrite par ceux qui ont gagné - et donc par les hommes blancs qui ont écrasé toutes les autres cultures. Mais ces cultures se vengeront, d'une manière ou d'une autre, elles se vengeront.
"Dear Gertrude" : parler à un fantôme, en appaiser les peines, le libérer. Voici le thème de cette douce mélodie. Faisant peut-être référence à Gertrude Stein, les sympathies de l'hétéro Paula Cole pour le monde lesbien et gay sont connues - Hush, hush, hush et surtout Carmen sur This Fire s'en feront plus encore l'écho. Troisième variation sur le thème de la femme abusée, morte de l'abus, il n'en reste plus qu'un fantôme.
"Hitler's Brothers" : K K K. Voici les frères d'Hitlers, cachés derrières leurs masques blancs à faire brûler des croix dans les jardins des noirs, protégés par la police ou leurs tenues impécables, les xénophobes, racistes et antisémites continuent à exister. La dénonciation est faite dans un style direct - en explicitant ce qui arrive. Cette technique sera réutilisée dans Amen, le 3e opus, pour la chanson I want to be somebody.
"She Can't Feel Anything Anymore" : quatrième variation sur le thème de la douleur familiale. Cette chanson aborde quatre sujets, différents, difficiles. Le premier, c'est le viol. Le second, c'est l'homosexualité qu'on arrive pas à exprimer. Le troisème, c'est une femme battue. Le dernier, c'est la fausse couche. On peut approcher ce texte selon tous ces angles (voire celui de l'adultère), et cette chanson, triste, forcément, reste toujours aussi belle.
"Garden of Eden" : l'amour non évoqué, love from afar, celui qu'on a pas osé dire et qui un jour, meurt.
"The Ladder" : se rendre compte que l'autre veut voir en soi ce qu'on n'est pas, mais qu'importe aller au delà. Sur une idée initiale assez proche de Top of the City de Kate Bush (sur The Red Shoes), ici c'est bien plus l'idée d'espoir malgré la vie morose et mal adaptée qui compte. Le rythme simple, et la montée finale, marque pour moi cette évolution vers quelque chose de mieux.

Big Blue Ball : je l'ai :)

cossaw — Mon, 28 Jul 2008 20:01:00 +0200

Si c'est bien un disque Realworld, c'est le distributeur Proper Music qui distribue le disque choral hérité des sessions Realworld du début des années 90 (quand Joseph Arthur, par exemple, était encore chez Realworld et Sinnéad O'Connor n'avait pas réglé ses comptes avec PG)

Publié aujourd'hui officiellement, je l'ai reçu par la poste (avec celui de mon frère, Pascal).

The Red Shoes

cossaw — Mon, 28 Jul 2008 13:14:00 +0200

Les mal aimées chaussons rouges.

Peut-on un moment revenir sur l'album classé, bien malgré lui, parmi les moins aimés de Kate Bush, si ce n'est le moins aimé ?

Oui, forcément. Parce que tout n'est pas noir, loin de là !

Alors que Kate fêtera après demain ses 50 ans, voyons un peu l'album qu'elle sortait pour ses 35 ans.

Le titre de l'album fait référence à un conte de fée d'Andersen et à un film de Michael Powell, qui est clairement plus la référence de Kate Bush que le livre. Les quelques titres influencés de Kate (comme Wuthering Heights, The Wedding List) sont bien plus souvent liés à des films qu'à des livres - même quand lesdits films sont eux-mêmes tirés des livres !

L'album se place, dans la création de Bush, à un niveau personnel très difficile. Elle vient de perdre sa mère chérie, à laquelle elle dédie l'album (et une chanson sur son successeur, Aerial). Elle est en train de rompre avec Del Palmer et se rapproche de David MacIntosh (son compagnon et père de son fils).

Un hiatus de 4 ans sépare The Sensual World de The Red Shoes, ce qui n'a rien d'anormal pour Bush (12 ans séparent TRS de Aerial). Si le précédent album voulait imposer l'image et volonté d'une femme dans un monde d'homme, The Red Shoes laisse un sentiment mélangé, entre le succès, l'échec, la légèreté, la lourdeur. Les collaborations, loin d'être une nouveauté pour Kate, ne sont pas forcément à la hauteur de ses attentes - ou des nôtres. Mixed bag, dans la langue de Shakespear, d'où, étonnemment, sortira l'un des plus grands succès commerciaux de Kate aux Etats Unis...

Musicalement, les morceaux sont décousus, et c'est là la grande faiblesse de l'album. Si quelques uns sont vraiment agréables et mêmes dançants (cf. la remarque sur les Etats Unis), d'autres sont graves, pesant. Les changements de rythmes, par exemple, font parti des techniques employés par Kate depuis des années, mais on ne sait pas troip pourquoi, ceux employé dans la chanson "co écrite" avec Prince (de quelques mois l'aîné de Kate) tombe à plat. Reste l'audace de certains texte, l'idée générale liée au thème principal - et assez lié au film tiré de TRS appelé The Line, The Cross and The Curve. Je reviendrai plus tard là dessus.

Analysons les titres

Rubberband Girl : en voyage en Irlande à l'époque de la sortie du 1er single européen, mon frère m'en ramena le CD. Etonnant. Du Kate sans aucun doute, enjoué, drôle. Deux clips, l'un tiré in extenso de TLTC&TC, l'autre reprenant des images du film (dont les paroles de Lindsay Kemp (it's really happening to you). Bon single, même si en fan on regrettera sa simplicité musicale. Mais on ne goûte au plaisir de retrouver Kate que peu souvent, alors... Quelques mois après la sortie en Europe, il sort aux Etats-Unis, en version normale ou remixée. Et pouf, c'est un succès danceflour - numéro 12. Hein, quoi ça ? Bon, vu qu'il est arrivé la même chose à Tori (avec Professional Widow) je ne m'étonne plus, mais quand même. Ce morceau, je ne sais guère l'analyser. Je sais qu'il me plaît, et qu'il plaît aussi à Alain, alors je ne l'analyserai pas vraiment musicalement.

And so is love : balade, marquée par l'utilisation d'un guitariste absent. La chanson, triste, sur la nature de l'amour - et des déceptions qui l'accompagnent (déception au sens français, pour le sens anglais, cf. Big Stripley Lie). J'avoue que c'est surtout la voix de Kate que je trouve présente dans cette chanson. Clapton, avec un tout petit peu de jeu, ne sert pas à grand chose si ce n'est la soutenir. Mais... c'est peut être bien là le but, non ?

Eat the music : voici la Kate charnelle, sensuelle qu'on aime tous, enjouée à nouveau, qui jouit de la musique comme on jouit des fruits à point. On croît entendre les cigales, on croit sentir la chair des fruits. Le titre le plus varié de l'album musicalement parlant - on entend à la fois les instruments baroques et les voix des amis, dont son fère. Un titre jouissif, donc. Même si ce n'est pas un titre classique de Kate, l'utilsiation des harmonies et des rythmes, entre guitares et percussions, est véritablement un très bon moment.

Moments of pleasure : un autre côté de Kate, une vision plaisante, mais jamais mélancolique, du passé : un retour sur les personnes qu'on a aimées, perdues (sa mère, son guitariste Murph par exemple), ou retrouvées autour d'une table ou d'un feu. La chaleur des paroles associée à une voix tout en douceur et à une musique elle-même comme en sourdine, font de ce morceau un petit chef d'oeuvre. L'alternance des couplets et des chorus rend un contraste plaisant. A la limite mélancolique, Kate échange une vision dynamique dans la retenue des sentiments et des souvenirs.

The song of Solomon : une concession à la Kate sexuelle plus que sensuelle. La notion de relation est ici au coeur de la chanson - voir la vérité dans la relation amoureuse, voir le lien entre sexualité et amour, et la voir clairement - ne pas mentir, ne pas dire ce qui n'est pas. Ne pas prendre la vessie de l'amour pour la lanterne de la relation sexuelle. Le contrepried de la vision habituelle - comment dire à son amant/sa maîtresse qu'on n'est plus intéressé/e par elle/lui qu'au lit ? Et comment oser dire cela comme un masque pour ses vrais sentiments ? Encore une fois, la musique est très dépouillée, plus proche de la harpe seule avec des arrangements - encore une fois un contrepied à tout ce qu'on pense de la musique ultra-construite et chiadée de Kate.

Lily : l'une des peurs fondamentale : celle du manque, celle de la non complétude, et la peur du futur. Outre l'aspect de magie blanche présénté par Lily, une vieille femme un peu sorcière "blanche" (elle invoque les anges) sur les bords, Lily est une chanson base sur la guitare, clairement audible tout au long du morceau. Très "scénarisé" (cf. TLTC&TC à nouveau), Lily peut être considérée aussi au niveau de la transmission de la sagesse, détenue par la vieille dame, à la jeune femme aux questions existentielles à vrai dire un peu niaise (et la voix de Kate le rend bien) I think I've grown a great big hole throught me ou équivalent. Les deux autres thèmes sont le feu et Dieu/les anges - ici le feu n'est pas vu comme arme diabolique mais au contraire le vecteur de la protection divine (dualité vis à vis de The Red Shoes qui précède Lily dans le moyen métrage). Notez que Lily existe vraiment, c'est la dame qui prononce l'invocation de divination et apprend l'invocation des anges au personnage de Kate Bush. Comme The Red Shoes (cf ci-dessous), le rythm des invocations, les tons sont importants, comme dans les ritules magiques - si TRS est plus marqué à ce niveau, Lily permet au moins de faire la différence entre plusieurs appels mgiques : l'appel à la clairevoyance de Lily au début ("oh Thou Who givest sustinance..."), l'appel aux anges protecteurs et guide de Kate ("Gabriel before me, Michael behin me, Raphael to my right, Uriel on my left side, in the circle of fire"), sont bien séparés, par le rythme et l'appel au refrain, des échanges entre Kate et la sage Lily.

The Red Shoes : inversé dans l'ordre vis à vis de Lily dans TLTC&TC, The Red Shoes est le coeur de l'album éponyme. Tout le monde connaît l'histoire ? Non, bon alors voici : les chaussons rouges de balerine sont envoûtés pour permettre à celle qui les porte de danser commes les plus grandes ("diva" dit Kate...). Mais à un prix - l'envoutement est malin au sens de diabolique - celles qui les revêt ne peut plus s'empêcher de danser. Dans le film et la chansoin, ces chaussons sont portés par une danseuse (Miranda Richardson) qui propose à Bush de le lui donner, à prix modique : écrire sur trois feuilles de papier une Ligne (le chemin), une Croix (le coeur) et une Courbe (le sourire) - les trois éléments qui permettent de transférer l'envoûtement à une nouvelle victime. Le personnage de Kate devenant alors la victime du personne de Miranda Richardson. Ici, je mélange les aspects de la chanson et du moyen métrage parce qu'ils sont essentiellement liés l'un à l'autre. Outre l'enchanteur que l'on voit, mi humain, mi démon (Lindsay Kemp), les personnages centraux sont la temptatrice et la victime - et c'est autour de ces deux là que se joue l'intrigue à la fois du film et de la chanson. La danse, c'est le dada de Kate Bush, au delà de la musique. On sait que depuis ses débuts elle voulait lier les deux mais s'est très vite rendu comtpe qu'elle ne pouvait pas - extenuée par sa tournée mélangeant les genres, elles décida d'arrêter les représentations, voeu auquel elle se tient toujours. Cela ne l'empêche pas de chorégraphier ses clips, véritables défouloirs pour elle (tout le monde pense à Running up that Hill). Ici, c'est justement la lutte entre la musique, d'une part, et la danse, d'autre part qui est mise en exergue - la musique peut être arrêtée, pas la danse, surtout si elle est aidée par un puissant envoûtement. Et sans exorciste ("call a doctor, call a priest"), point de salut. La musique de TRS est alors primordial, parce qu'elle joue aussi le rôle de l'enchantement - un petit air mutin répété, répété, répété (et plus encore dans la version "remixée" Shoedance en "face B" du single). La musique est ici assez synthétique, mais vivante - suffisamment mixée entre synthétieurs et instruments classiques passés par le mixage. Le rythme, plus particulièrement des paroles, est essentiel : il permet de faire passer le sens de l'enchantement, le ton qui descend, remonte, descend, remonte, fait penser à une hypnose, cachée comme les mains de Richardson dans le film. La duplicité de la temptatrice n'est pas aussi claire que dans le film, cependant, mais l'idée est là : on lui fait enfiler les chaussons enviés (c'est mal, l'envie), on la trahit en ne lui révêlant pas leur secret, et on la lance - la fierté, l'hubris presque (feel your eyes are lifted to God), de la danseuse l'entraîne vers sa perte. La chanson ne s'arrête pas et entraîne la danseuse, prise dans ses res grandioses, vers son malheur... Alternance de lucidité, de rêve de grandeur, le titre se termine en boucle, sans laisser présager de la suite.

Top of the City : il est étonnant pour moi d'avouer que je ne me rappelle pas de l'air de cette chanson en dehors des paroles de Kate - je sais qu'il y a de la guitare, par exemple, mais ce que je retiens surtout ce sont les paroles entre le chant et la diction normale. Top of the City, c'est l'histoire d'un couple qui veut échapper au mal, à l'habitude, à l'apparence pour rejoindre le bien, pour arrêter de se faire mal, l'un à l'autre ou à soi même. Je ne sais pas ce qu'il faut faire mais je sais que nous ne devrions pas faire ce que nous faisons : nous ne devrions pas souffrir ainsi, tel est le message. Aller de l'avant certes, mais c'est plutôt la fuite, éperdue, vers un eldorado imaginé - contre une réalité toute en impression (les rues pavées d'or). Et malgré ce sentiment de perte, de fuite en avant, c'est quand même l'espoir qui fait survivre, qui permet d'éviter le mal, les tromperies, le danger.

Constellation of the heart : s'il en fallait une, c'est cella là. Je n'aime pas. No comment.

Big Stripley Lie : une descriptin de l'enfer, telle est la première impression. On sait, de Kate, que cette chanson est une alégorie face à la traîtrise d'un amant. L'enfer que vit le personnage, c'est celui d'être celle qu'on délaisse pour une autre. Le mensonge, la perte de confiance, les faux bons sentimens "ce n'est pas ta faute/je ne voulais pas te faire mal/je veux t'aider", etc. Kate joue de la guitare (et non du violon) sur ce titre - c'est Nigel Kennedy qui joue du violon (merci Lewis). La dissonance, les rythmes et les instruments amplifient ce sentiment de malaise, de repli sur soi et de rejet de l'autre qui a trahi. Brillant.

Why should I love you : au début, on a un petit air médiaval, soutenu par le trio B. La sensualité des mots liée à la douceur des paroles. Et vlan, Prince et tout bascule. Une chanson qui aurait pu être fabuleuse mais qui a dégénré à cause d'un nain.

You're the one : la conclusion de tout cela, la chanson de l'être qui, trompée, sait qu'elle continue à aimer celui qu'elle a quitté. Un peu trop de trio B, un peu trop de guitare, sans quoi ce titre aurait, lui aussi, mérité une meilleure estimation. Certains traits, des paroles échangées entre anciens amants, sonnent si vrais "we"re best friend, yeah...". Mais tout ça est gâché par un choix musicial vraiment inapproprié.

Comme on le voit, les titres du début (et Big Stripley Lie) sont mes préférés. Je trouve que les autres sont soit totalement hors propos (Constellation...) ou détruits par de mauvais choix (surtout Why should I...). Je pense vraiment que The Red Shoes est le plus mauvais album de Kate, mais qu'il est sauvé par quelques perles, surtout Eat the Music et Big Stripley Lie, et qu'avec quelques choix différents sur les derniers titres, on aurait pu avoir un album digne de ses prédécesseurs ou d'Aerial !

From the Choirgirl Hotel

cossaw — Wed, 14 May 2008 10:57:00 +0200

En 1998, j'étais en pleine dépression post-traumatique. Copain et meilleurs amis renversés à la sortie d'une discothèque. Air connu.

Pour mon anniversaire, je m'achetai From the Choirgirl Hotel de Tori Amos, paru le mois précédent. Quelques jours après j'embarquai pour Boston via New-York et je ratai le concert qu'elle donnait à Boston pour une sombre histoire de médicaments et de prescription non traduite.

Passé simple.

Ce disque, comme un baûme, a accompagné ma descente aux enfers. Il seraà jamais associé à la notion de perte. Et à celle de rédemption, quelque part. Un album noir, aussi noir que sa pochette, où Tori Amos apparaît écrasée contre une vitre. Un album brillant, cependant. Quelques perles dépouillées, deux titres un peu plus up-beat, et une dépression post-trauamtique, pour elle aussi...

I can be cruel, I don't know why

Chaque histoire, chaque chanson, chaque girl comme les appelle Tori, est un univers replié sur lui-même, et pourtant chacun de ces mini-univers communique avec les autres - comme le plan inclus dans la pochette le matérialise.

Plus que dans les albums précédents, l'association entre la musique et les images, le lien entre les évocations de la réalité et la lourdeur des faits, est intense. Quelle réalité est sous-jacente à chacun des titres ? Peu importe, ou tout importe, selon qu'on se laisse bercer ou qu'on entre en profondeur dans la détresse...

Amos, avant de donner naissance à sa fille, avait fait plusieurs fausses couches, et From the choirgirl hotel est emprunt de la détresse, de la colère aussi, qu'elle resentait. Playboy mommy en est le plus bel exemple. Comment une telle chanson peut-elle naître d'un évènement pareil ?

Chacune des chansons, d'après Amos, parle d'une femme, ou d'un aspect d'une même femme. De la lesbienne de Rasperry Swirl (rasperry == le clitoris) à la femme qui se perd lors de son mariage et évoque le souvenir de Jacky Bouvier Onassis Kennedy, Amos présente des femmes, ou parle d'elles. On sait qu'elles ne sont qu'un aspect de sa propre personnalité. Ses souvenirs, ses fantasmes, ses désespoirs s'affrontent, et produisent ainsi l'un des tous meilleurs albums de 1998.

Si le piano et la voix restent les principaux vecteurs de l'émotion, l'utilisation d'autres instruments, présents d'ailleurs sur scène, apportent un changement important, déjà engagé avec Boys for Pele, le précédent album. Un jeu avec la musique électronique qui se mêle bien à l'univers d'Amos - et laisse aussi la possibilité aux remixer d'intervenir (cf. les singles, notamment pour Rasperry Swirl).

Cet album est emprunt d'une atmosphère dépressive, même les titres up-beat (Rasperry, Cocaine) sont en fait autour de sujet durs - dépendance amoureuse et affirmation homosexuelle. Lien entre le passé (Little Earthquake, Under the Pink, Boys for Pele) et l'avenir (To Venus and back, ...), From the Choirgirl marque aussi l'un des derniers moments de véritable mélange bonheur/malheur pour Amos - les albums suivants auront d'ailleurs moins de succès. A croire qu'il fallait qu'Amos soit dépressive et au bord des larmes pour que ses titres sonnent plus vrais et aient plus de goût... Weird !

Tracklisting

Spark
Cruel
Black-Dove/January
Raspberry Swirl
Jackie's Strength
Iieee
Liquid Diamonds
She's Your Cocaine
Northern Lad
Hotel
Playboy Mommy
Pandora's Aquarium

Big Blue Ball

cossaw — Tue, 29 Apr 2008 13:50:00 +0200

Suivez le lien vers le site dédié de Big Blue Ball.

Pour le moement, on a droit à une interview vidéo avec quelques extraits vidéos et sonores !

The Dreaming

cossaw — Tue, 08 Apr 2008 09:08:00 +0200

En 1982, Kate Bush fit paraître The Dreaming, près de trois ans après Never for ever. Ce ne fut pas un succès commercial - l'album pâtit aux yeux d'EMI de la comparaison de son audace et du changement trop important. Les directeurs artistiques ne retirèrent cependant pas leur confiance en Kate Bush. Ils eurent bien raison... Et ce malgré un choix plus qu'étonnant de la maison de disque en matière de premier single sorti plus de six mios avant le reste de l'album !

Mais qu'importe, The Dreaming est un chef d'oeuvre, une pièce maîtresse de la créativité et de la fougue de Kate Bush, allié à une sensibilité grandissante, loin au delà de la simple ballade kitsch qu'est devenue Wuthering Heights... Esotériques, les titre abordent des thèmes peu usués en musuque, surtout en ce début des année 80 où la musique pop se doit d'être légère, comme le fut le Disco avant elle - new wave, synth pop, reprenne un peu ce que la musique punk a apporté. Mélanger à cela un engagement en demi teinte et vous obtenez un album comme The Dreaming mêlant musique électronique et instruments traditionnels gaëliques et aborigènes d'Australie, thèmes inspirés de l'actualité ou de lectures passées, voix retravaillées ou épurées. On parle même à propos de cet album d'une si forte densité qu'elle crée un paysage sonore unique. Mélange d'instruments, de voix, de choeurs, d'onomatopées, et de synthèses variées, ce travail peut faire peur comme il peut émerveiller... Artistiquement épuré, il sera à la base des deux faces du disque suivant, Hounds of Love/The Ninth Wave, quatre années plus tard.

Analyse titre par titre

Sat in Your Lap

Il s'agit du premier titre de l'album, justement premier single, qui dérouta à plus d'un titre. Un titre portant sur la sagesse, son acquisition et son utilisation, sur le narcissisme et l'ouverture à autrui (un thème récurrent de The Dreaming). Cette chanson est une pure folie, d'ailleurs je crois que le clip rend bien compte de cette pure folie. C'est ici dans la folie qu'on trouve la vérité, c'est dans le parcours du monde qu'on croise ce qui est et non en restant assi à ne rien faire. Certains croient que le paradis est l'enfer, certains croient que l'enfer est le paradis... et bien pour aller plus loin, pour sortir des stéréotypes, il faut bouger, sortir, vivre. Au début, la chanteuse veut rejoindre les autres quitravaille pour "lui" - le diable peut-être. A la fin, elle voyage et traverse les éléments pour se créer sa propre vision du monde, sa propre vérité, sa propre cup of wisdom.

There goes a tenner

Voilà un titre plus sage - en apparence. Récit d'un vol, placé dans le concret d'une vie, il fait ausis souvent référence à des élements de culture populaire - la prison Strange Ways, les polards ou feuilletons policiers - Cagney & Lacey notamment. Le billet de 10£ auquel on doit le titre de l'album est aussi un prétexte au flash-back et à la réflexion sur la vie des voleurs. Ancrée dans la vie réelle, ce titre utilise aussi la variation des rythmes, le ralenti, la syncope pour faire évoluer dans l'espace imaginaire les protagonistes. Jusqu'à l'accident final où les voleurs se retrouvent piégés et sortent alors des quasi automatismes à base d'avocat ou de non divulgation des complices ou motifs !

Pull out the pin

C'est la confrontation, dans la jungle vietnamienne, d'un vietcong, narrateur, et d'un soldat américain. La description physique, l'atmosphère musicale, sont opressante. L'américain, d'abord décrit comme on décrirait un porc, espèce de monstre uant qu'on tue d'une balle d'argent. Il devient cependant au fur et à mesure un être humain, doté d'une famille. Le vietcong aussi gagne en humanité, et on voit poindre son regret de devoir combattre et même tuer son ennemi - il aime la vie, phrase répétée, et répétée. Mais malgré tout il doit retirer la goupille et lancer la grenade... C'est une vision peu habituelle pour une oeuvre de l'ouest - se mettre à la place de l'ennemis et le rendre humain. Alors qu'il chasse, qu'il se rend invisible dans son environnement, on le sent qui observe l'américain, et qui, petit à petit le comprend. Mais l'esprit de guerre reprend le dessus, ou tente de le faire. C'est finalement une cible dont ne sait pas si elle est tuée, ou pas... Le conflit entre la vie (I love Life), la Mort (Pull out the pin), la divinité (Silver Buddah) et l'arme (Silver bullet) est au coeur du récit, tout comme l'est affrontement entre deux personnes, deux nations... un affrontement dont on ne sort que par l'anihilation de l'humain qui est en soi.

Suspended in gaffa

Rencontrer un dieu, et puis subitement ne plus être capable de renouveller l'exploit ? Voilà le sujet de Suspended in gaffa. Le titre en soi est une énigme. De quelle gaffa s'agit-il ? Du gaffa-tape, utilisé comme ruban adhésif par les ingénieurs du son ? Outre le fait que gaffa ait donné son nom au site encyclopédique sur Kate Bush, c'est aussi l'une des chansons les plus étranges de l'album. Référençant tour à tour la boîte de Pandore, le miroir aux illusions, et une certaine forme de mystique, ce titre est difficile à cerner. Le rythme lui-même est inhabituel, les intonations et les alternances marquées entre paragraphes (semi-refrains, refrains). Ceci dit, le clip tiré de la chanson est lui-même plutôt indigeste dans sa simplicité. (merci à Lewis pour la vidéo, au passage). En tout éta tde cause, ce titre me plaît, justement parce qu'il est différent, qu'il a un rythme entraînant et qu'il joue sur le registre de l'alternance pour évoquer ses problématiques : celle de la volonté d'atteindre l'absolu alors qu'on sait qu'on ne le pourra jamais ! (pour paraphraser, pour voir l'absolu de l'univers, il faut déjà en avoir en conscience)

Leave it open

Ce titre, dernier de la face A est le pendant de Get Out Of My house, dernier de la face B. Ici, l'auteur se rend compte qu'il ne faut pas se refermer sur soi et qu'une vie bien vécue ne peut l'être que partagée. La porte doit rester ouverte aux autres, à leurs influences. L'image de la porte fermée, de la grille, de la cage, et par symétrie de la liberté, de l'ouverture, apparaissent dans tout le texte. Musicalement, Bush s'est beaucoup amusée. Sa voix vocodée, muée, transmutée, évolue tout au long du titre ; les chevrotements, les piaillements, en contraste avec la voix chantée habituelle, font de ce titre une autre folie de l'album. Titre parfaitement inaccessible à la première écoute, ingras même, il ne prend de valeur qu'après l'écoute de son opposé. Ici tout n'est que joie à la réalisation que l'ouverture et la liberté de la porte ouverte peut apporter à la foix la félicité intime et sociale... tant que les limites ne sont pas forcées comme elles le sont dans Get Out of My House.

The Dreaming

La chanson titre, The Dreaming et plus précisément le Dreamtime (titre de l'instrumental sur le single), a donné son nom l'album. Il s'agit de la notion aborigène liée à la création du monde et au fait qu'en rêve on peut sy replonger. C'est un titre qui milite, à sa façon, pour la réapropriation de leurs terres par les indigènes australiens, et plus que leurs terres, leurs rêves et leur culture. Le thème inspirera aussi d'ailleurs un ami de Kate, Peter Gabriel pour son titre Don't break this rythm, en face B de Sledgehammer. L'idée est que partout où l'on regarde, il existe une réalité intrinsèque qui nous échappe, mais qui reste connue des indigènes, justement, ceux qui étaient là avant la colonisation par les blancs. Ce n'est que par accident que l'on peut se rapprocher de cette nature et s'en rendre compte... l'ouverture de l'esprit est alors coterminale à la blessure physique - nécessaire à l'enlightment. Le titre reste un appel à la tollérance et au respect des cultures indigènes bafouée par notre culture.

Night of the Swallow

TBD

All The Love

TBD

Houddini

TBD

Get Out Of My House

Contrairement à ce que la plupart des gens croient, Bush est plus influée par le cinéma que par la littérature pour certains de ses titres, citons Wuthering Heights, La mariée était en noir (pour The Wedding List), et ici même The Shining de Kubrick. Inspirée en partie par le film, Kate Bush y retranscriptit d'un cauchemar éveillé. Le côté obscur de Leave it open. Là où l'influence extérieure était bénéfique, ici c'est la folie intérieure qui décalle tout et force à tout perdre, son équilibre mental, sa santé, son humanité. On peut même parler d'une certaine forme de viol (no stranger's feet will enter me) voire de castration dans ce titre (I change into a mule).

Violent, ce titre l'est bien par les paroles sous-entendue, par le contraste entre la naratrice, la concierge (voix à nouveau vocodée, transformée) faussement protectrice, par le diable personnifié par l'étranger. La violence est plus encore exacerbée par le choix des instruments - guitares puissantes et stridantes, caisses réverbérantes, et par les backing vocals, qui donne cette impression d'impuissance face à un avenir funeste (juste après la joute verbale, à force de métamorphose, opposant hommes et femmes). Incompréhension entre les sexes, violences des hommes faites aux femmes, folie furieuse aussi. Jamais une telle énergie négative, destructrice n'avait imprégné un titre de Kate Bush ainsi - et aucun titre par la suite ne reprendra une telle hargne !

Tracklisting

Face A

Sat in your lap
There goes a tenner
Pull out the pin
Suspended in Gaffa
Leave it open

Face B

The Dreaming
Night of the Swallow
All the Love
Houddini
Get Out Of My House

58 ans

cossaw — Wed, 13 Feb 2008 12:53:00 +0100

Peter Gabriel a 58 ans aujour'hui. Si on sait que Big Blue Ball sort entre avril et mai, à quand I/O, Son of oVo etc. ?

Ma grand-mère maternelle, celle qui m'a élevé, aurait eut 92 ans.

La gamine que mes parents gardent et qui a prétendu avoir été violée par son frère a 15 ans aujourd'hui.

Comment tout voir de travers

cossaw — Tue, 29 Jan 2008 21:27:00 +0100

Après des imbéciles qui m'écrivaient (sur le vieux blog) que Kashka From Bagdad (Kate Bush, in Lionheart) ne pouvait pas traîter d'un couple homosexuel, en voilà un sympa...

La chanson Excellent Birds/This is the picture (resp. sur l'album Mister Heartbreak de Laurie Anderson et So de Peter Gabriel) est une chanson diabolique. Ben tiens.

Pour l'histoire, c'est une chanson où Anderson et Gabriel prennent le point de vue d'un chat qui regarde le monde... et quand on lit les paroles, ça tombe assez juste (excellent oiseaux, je suis couché au bord de la fenêtre, je retombe sur mes pattes...). Jusqu'au chat qui intringué a tenance à tourner la tête pour voir les choses autrement. Je me rappelle avoir vu mes chats faire ça tout le temps quand on leur présentait des images (ils ne voient pas de près).

Bref... pour le gars en question (pas de lien, c'est trop con) la chanson est diabolique. I entend "evil pictures of people" à un moment - alors que c'est "I see pictures of people"... Alors évidemment, quand c'est répété un certain nombre de fois à la fin...

Il faut dire que depuis 2001, Anderson s'est pris quelques trucs dans le visage. Forcément, deux chansons de son premier album parlent d'avion, dont l'un s'écrase... sur Big Science. Elle a chanté au moins l'un "O Superman" quelques jorus après les attentats. Je me rappelle quand elle chanta O Superman à Paris à peu près à cette époque là (à la mutualité), elle était au bord des larmes... Et puis,il y avait ce dernier album où elle parlait beaucoup de trucs qui fâchent : la liberté, un concept qui fait peur ("freedom is a scarry thing ; not many people want to it" devenu en live “Freedom is a scary thing ; so precious, so easy to lose”). Une toute petite controverse mais dans un monde changé par le 11 septembre, une idée importante : est-on si prêt que cela d'échanger nos libertés contre une prétendue protection ? La suite a montré que oui, et combien ce fut mauvais...

Never For Ever

cossaw — Tue, 08 Jan 2008 15:43:00 +0100

Après un succès sans pareil sur scène, qui ne sera jamais renouvelé, et après la rencontre de Peter Gabriel (elle a chanté sur son 3e album et l'a rejoint plusieurs fois sur scène), Kate se remet au travail.

Avec un titre semblable (Jamais pour toujours), Kate change de style.

Fondant son travail sur de nouvelles techniques - le sampling, les beat-boxes et les synthétiseurs, le troisème opus arrive au moment où la New Wave va déferler sur l'Europe. Mais c'est à nouveau avec une histoire que Kate va revenir, fondant à nouveau son succès sur la mélodie et les paroles, mais aussi, sur l'image...

Numéro un des ventes au Royaume Uni (une première pour une anglaise) et 7e en France, Never for Ever est aussi la première auto-production de Kate Bush en studio. Le nombre de musiciens, d'instrumentistes allant du folkolorique (avec Paddy Bush, son frère) aux synthétiseurs Moogs, montre la diversité qu'a voulu apporté Kate à cet album. A noter le premier titre purement instrumental, Nights Scented Stock, variation du thème de The Infant Kiss.

Bien sûr, le premier titre reste le plus connu, Babooshka, une chanson piège. L'histoire d'une femme qui, voulant vérifier la fidélité de son époux après des années de mariage, se perd au jeu comme son époux se perd dans ses filets. Historiquement le premier titre sorti utilisant le sampling (du verre se brisant), c'est aussi un titre à la très forte musicalité et au fort impact publique : le jeu des sonorité et des deux "modes" de la chanson est mis en exergue par l'utilisation de la vidéo qui reste dans nos mémoires - et un passage live qu'on trouve sur You-Tube le montre plus encore !

Mais les autres titres restent tous intéressants allant du militantisme antimilitaire (Army Dreamers dont le héros est mort au combat) et anti-nucléaire (Breathing dont la naratrice vit la bombe H au travers du corps de sa mère où elle est encore...) aux références cinématographiques (The Wedding List/La mariée était en noir, The Infant Kiss/Les innocents). Ce dernier est aussi très étonnant, le sujet portant sur une tentation pédophile féminine - expliquée par le fait que le petit garçon dont tombe amoureuse l'éducatrice est "possédé" par l'esprit d'un homme adulte. Army Dreamers pose aussi la réflexion suivante : l'armée est-elle un pis aller où les rebus de la société sont envoyés ? What could he do, should have been a, avec à chaque fois une réponse montrant qu'il ne pouvait rien faire d'autre.

Outre des chansons hommages, soit à Delius ou à un technicien mort sur scène (Blown Away), l'exostisme et le jeu existent toujours sur cet album : le jeu de la séduction très masculine du Violin (l'archet par essence masculin sur l'instrument fondamentalement féminin), on retrouve un titre à la fois drôle et tendre sur la filiation et les regrets qu'elle engendre (All We Ever Look For) ainsi qu'un regard, à nouveau sensuel, sur un pays, ici l'Egypte.

Ce qu'il faut retenir de ce disque : sa versatilité, les fenêtres qu'il ouvre, son inventivité, son énergie et sa réflexion sur un monde dont on n'est pas si sûr que Kate l'aimât telle qu'il fut...

Tracklisting

Babooshka
Delius (Song of Summer)
Blown Away (For Bill)
All We Ever Look For
Egypt
The Wedding List
Violin
The Infant Kiss
Night Scented Stock
Army Dreamers
Breathing

Lionheart

cossaw — Tue, 08 Jan 2008 15:30:00 +0100

Plus qu'une suite de The Kick Inside, Lionheart est un album qui laisse souvent un goût d'inachevé.

Beaucoup diront que Lionheart n'est que le second volet de __The Kick Inside__. Et d'un certain côté, c'est vrai. Si les conditions de réalisation sont différentes, les textes et les musiques datent des mêmes époques que celles du précédent volume - tout en restant autant étalé dans le temps.

L'orchestration de cet album est beaucoup plus dense, parfois trop sur des versions anciennes de l'album - mon vynile était à la limite de la saturation. La version CD a un peu réduit les nuisances et j'espère que les différentes remasterisations sont venues à bout des problèmes de bord depuis,notamment sur Hammer Horror.

Cet album est de fait un peu plus symphonique, un peu plus varié que le premier. Les thèmes quoi que différents restent proches; On retrouve l'amour, la jeunesse, l'idéalisle et sa confrontation à la réalité. Ce n'est nulle part plus vrai que dans In Search of Peter Pan, publié 6 ans avant qu'on parle du syndrôme de Peter Pan, où l'enfant est confronté à la nécessité de grandir et à l'abandon de ses illusions et jeux d'enfants. Wow est sur un thème proche, celui de la désillusion, celle du show-business qui n'offre pas tout ce qu'il promet, n'offre qu'une gloire au rabais, une gloire de pailette, avec les ors sans l'argent. La matérialité de l'argent, du sexe, rattrape l'artiste qui ne peut s'empêcher de rêver malgré tout. Certains ont taxé la chanson d'homophobie liée à une parole, hitting the vaseline, portant sur une sodomite... je ne sais pas, je pense qu'on peut laisser cela au compte d'une jeunesse d'une Kate qui ne connaissait pas encore trop bien ce milieu là - quoi qu'avec Kashka...

Toujours dans la volonté de nier la réalité au profit d'un fantasme plus fort qu'elle, on retrouve Don't Push Your Foot on the Heartbrake, hymne à la vitesse qui casse tout et ne regarde pas ce qui est laissé de côté. __Kashka from Bagdad__, histoire d'un couple qui vit dans le péché (on pense surtout à un couple d'hommes) et qui ne vit qu'en autarcie, la nuit, en musique et dont le narrateur voudrait participer au bonheur [note : c'est plus flagrant dans la démo, où l'homosexualité tant de Kashka que du narateur est plus forte, même si, comme on me le faisait remarquer, Kashka peut être un jeu de mots sur Ka(te Bu)sh]. Enfin, toujours dans le domaine du rêve, on ne peut contourner Hammer Horror, avec l'image du cauchemar lié à ce fameux studio promouvant vampires, monstres et autres Frankenstein !

La réalité, pour le coup, est bien plus sensuelle, plus sexuelle même, avec the warm room, invocant l'esprit des maisons clauses. La sensualité n'est pas absente de l'évocation de l'Angleterre, Oh England, My Lionheart, qui a donné son titre à l'album ; jeune, je croyais qu'il s'agissait d'une ôde à Richard Coeur de Lion ("the Lionhearted"), mais c'est simplement, comme plus tard The Sensual World, une ôde à un pays chéri, sublimé dans les rêves d'une jeune femme - auxquels on revient enfin. Comme au cauchemar de la Fullhouse, tellement proche thématiquement de Get Out of My House (sur The Dreaming) mais aussi d'une partie des titres de the Ninth Wave (Under Ice, Waking the witch, ...))... mélange de folie et de lucidité sur cette condition...

Tracklisting

Symphony in blue
In search of Peter Pan
Wow
Don't push your foot on the heartbrake
Oh England my Lionheart
Fullhouse
In the warm room
Kashka from Baghdad
Coffee homeground
Hammer horror

The Kick Inside

cossaw — Tue, 08 Jan 2008 15:22:00 +0100

Cet album, le premier de Kate Bush, est sorti il y aura bientôt 30 ans.

Bel anniversaire. Bien sûr, c'est l'album du titre qui passe le plus souvent : Wuthering Heights, mais c'est bien plus que ça. C'est l'aboutissement d'un chemin qu'à suivi Kate bush, accompagnée par quelques membres de sa famille (ses frères surtout), par des amis (ou amis d'amis, tel Dave Gilmour de Pink Floyd), et par des formateurs (forcément, Lindsay Kemp).

Forte d'un nombre de démos importantes, Kate réunit autour d'un album des titres variés, à contre courant presque de ce qui se fait à l'époque au point qu'elle paraisse un peu ringarde par rapport aux mouvements punks. Et pourtant, elle est restée aussi marquante que ceux là, Johnny Rotten lui-même vous le dira. Enfin, cela dépend de la personne à qui vous vous adressez...

Ceci dit, au travers des 13 titres de l'album, Kate déploie déjà des talents d'auteure, compositrice et interpète tant de la musique que du chant. Forcément haut perchée, sa voix a depuis (tabac aidant, j'imagine), gagné en volupté, mais elle n'en reste pas marquante et étrangemment adaptée aux différentes ambiances rencontrées au fur et à mesure de l'album.

On s'étonnera du jeu qu'elle veut mener avec l'auditeur. Le jeu, c'est à la fois celui de l'écoute et du partage, mais aussi celui de la réflexion - pas encore à celui du questionnement total tel qu'il se développera par la suite. Le jeu, c'est aussi l'alternance de rythmes, de douceur, de violence et de tendresse. Le rythme de l'amour et de la sensualité. Pas étonnant que ses chansons se soient si bien mariées avec ses attitudes scéniques, proches de la dance et de ce que Kemp lui a enseigné. Bien sûr, le kitsch de l'époque fait parfois oublié la démarche artistique, mais celle-ci réapparaît en concert... mais j'en parlerai plus tard.

Les thèmes font parti du jeu. Jeu réel, tel celui du cerf-volant (Kite), jeu violent, celui de la roulette russe - alcool et armes à feu - de James and the Cold Gun. Jeu de l'amour et de la séduction, amour enfantin d'une jeune fille révant d'un prince charmant inconnu qu'elle seule voit (The Man With a child in his eyes), jeu dangereux et mortel de l'inceste fraternel (The Kick Inside). L'amour malheureux a une bonne place ici, celui du fantâme d'une autre Kathy pour son bien aimé Heathcliff (Wuthering Heights) ou d'une femme pour celui qu'elle voit partir en déliquescence (James...). Et puis, de douces musiques pour révéler la nature féminine la plus intime - et innocente chez cette jeune fille - parlant de cycles menstruels (Strange Phenomena) ou de gestation (Room for Life)... comparées aux affres de l'adolescente qui dans l'amour préfère la sensation apportée plus que l'être désiré (Oh, to be in love)... mais qui se rend compte aussi de la terrible réalité, de la nature de l'être aimé lui-même (L'amour looks something like you).

Ce premier disque est aussi un mélange musical, qui grandira : si le piano reste la cadre et la voix le moyen, les instruments mélange pop musique et rock, un peu comme les idoles de Kate - Elton John, ou encore David Bowie, autre élève de Lindsay Kemp, d'ailleurs... L'orchestration force la musicalité par moment, et c'est aussi en concert qu'on découvre des faces cachées aux dons de Kate... mais cela est une autre histoire.

Tracklisting

Moving
The Saxophone song
Strange phenomena
Kite
The Man with the child in his eyes
Wuthering Heights
James and the cold gun
Feel it
Oh to be in love
L'Amour looks something like you
Them heavy people
Room for life
The Kick inside